P: Joel Meyerowitz, From the Car, the South, 1967 - Courtesy Edwynn Houk Gallery, NY

En utilisant la couleur, toute mon attitude vis-à-vis de la photographie de rue est passée de "l'instant capturé" à une observation plus dispersée, à la recherche d'un résultat non hiérarchisé dans lequel chaque élément joue un rôle équivalent : les gens, l'architecture, la qualité de la lumière, l'angle de cette lumière, l'importance des ombres, la simultanéité d'évènements mineurs. Cette globalité, je l'ai appelée "champs de la photographie". Il s'agissait pour moi d'une traduction de "l'expérience d'être dans la rue", dans une ville spécifique, un jour déterminé, pendant une saison ou une année précise, qui pouvait permettre au spectateur d'expérimenter lui-même ce que j'ai pu ressentir à ce moment-là. J'espérais alors que les gens allaient peut-être "lire" la photographie et non rechercher l'incident qui les captiverait dans l'image.

P: Joel Meyerowitz, Theresa St. St. Louis,1977 - Courtesy Edwynn Houk Gallery, NY

Petit à petit, je me suis tourné vers des appareils de plus grandes dimensions et puis un jour j'ai acheté une chambre 20x25 cm. C'était en parfaite opposition avec ma manière de penser et de travailler. Il s'agissait de la chambre photographique des anciens de la Côte Ouest, celle qu'utilisaient des gens comme Ansel Adams ou Edward Weston, alors que j'étais moi-même un new-yorkais, que l'agitation était ma nature, que la vie des rues, rythmée par le jazz, était mon véritable milieu.

Pendant cette période je suis passé de la rapidité de l'appareil 35 mm, de la scène urbaine et de ses espaces multiples, à un travail à la chambre plus méditatif, plus spacieux et plus lumineux. En fait, mon comportement, mon rapport au temps ont subi une métamorphose complète qui a profondément déterminé mon travail depuis cette époque."